jueves, 25 de octubre de 2012

Los Roles en las Compañías de Teatro


Las formas jurídicoadministrativas bajo las cuales suelen organizarse las compañías teatrales son básicamente tres: 
Producción; 
Cooperativa; 
y Cooperativa con Producción. 

En un extremo entonces, encontramos a las sociedades o empresas unipersonales en donde una persona (o varias en el caso de una sociedad) llamada “Productor”, aporta el dinero y/o los recursos necesarios y facilita la organización, que contrata al Talento y al resto del equipo.  Los contratados cobran lo pactado independientemente del resultado comercial del emprendimiento, y el Productor corre con los riesgos del negocio.

Se conoce como “Talento” a los artistas, todos aquellos que hacen una tarea creativa.  En tanto, el resto de los contratados, llamados “No Talento” o “Equipo” o por su nombre en inglés “Crew”, son generalmente los realizadores, o quienes prestan un servicio a la obra teatral, aunque quizás estos también sean artistas, pero en la medida en que pueden realizar su oficio para la vida ordinaria, dejan de ser considerados como parte del Talento; ejemplo de esto pueden ser los sastres, modistas, carpinteros, electricistas, operadores técnicos, etc.

En el otro extremo están las “Cooperativas”, en donde todos los artistas de la obra se autogestionan participando de las pérdidas y ganancias del emprendimiento.  La legislación ofrece modelos para esta participación, imponiendo elementos para determinar mínimos y máximos a cobrar por cada participante.

En el medio, se encuentran las “Cooperativas con Producción”, en donde algunos de los artistas, generalmente los más comprometidos con llevar adelante el proyecto, hacen las erogaciones más importantes, toman las decisiones estratégicas y el resto del Talento, trabaja a resultado, cobrando una parte preestablecida, nunca inferior al 35% de la recaudación, neta de los derechos de autor y gabelas.

Vamos a continuación a nombrar y describir cada una de las funciones que se despliegan en la organización de una empresa teatral, no importa la modalidad bajo la cual esta se desarrolle, y tampoco importa si están específicamente repartidos entre los miembros del grupo.  Si es importante que si un grupo no define quien ocupa cada rol, alguno de los roles se verá debilitado en los resultados que implica su función y alguno de los integrantes resultará excedido en sus obligaciones.  Entonces parece importante conocerlos y tomarse un tiempo para pensarlos y efectivamente repartirlos para que todos los planos artísticos, queden cubiertos para felicidad de todos los participantes.

Antes de entrar a describir el Talento, repasaremos la Administración.
Productor: Como dijimos más arriba es el empresario que provee los recursos necesarios para el montaje del negocio y quien corre con los riesgos económicos de la actividad.
Productor Ejecutivo: Cuando el productor es meramente quien aporta el capital para el desarrollo del proyecto, pero no es una persona con conocimiento del medio, generalmente contrata a alguien que si lo tenga, y posea también la experiencia e idoneidad para hacer viable la empresa.  Su tarea consiste principalmente en negociar entre las partes involucradas, cada una de sus necesidades, realizar presupuestos y cumplirlos una vez aprobados por el Productor, contratar con los proveedores de servicios, y los artistas, y asegurar que estén disponibles todas las cosas que se necesiten en su justo momento.
Asistente de Producción: puede ser más de uno, y posiblemente en ese caso se repartan tareas específicas.  Pero esencialmente llevan la agenda del Productor Ejecutivo, resolviendo lo que este le encarga y velando por el detalle de las grandes tareas.  (PERT de Producción)
Finalmente la Administración: tendrá por lo menos un contable, que se ocupará de confeccionar el bordereaux, hacer o encargar las liquidaciones de sueldos y contratos, y las liquidaciones a organismos, control de facturas y pagos a proveedores, archivar facturas y contratos, y administrar los pequeños gastos, como así también llevar los registros contables.
Cuando haya más de un contable, quien registra no manejará dinero.  Por otro lado para la firma de los contratos, seguramente se contará con alguna ayuda legal.

                              
Dentro del Talento encontramos:
Al Director. No vamos a hablar hoy de la evolución de la función de este rol a lo largo de la historia, pero tal como la conocemos data apenas del siglo pasado.  De todas maneras sigue sin quedar muy claro qué debe hacer y qué no.  Muchas veces se piensa que es quien debe decidir qué obra hacer, proveer los elementos para llevar adelante los ensayos y la función (hacer de productor) y dirimir los conflictos del grupo, si se presentan.  Convengamos que la figura es importante, si bien es el creador más importante del objeto, no es el dueño, pero por eso me parece importante el artículo. Dependiendo de la complejidad de la obra a realizar, y de las capacidades del artista en particular, se presentan a continuación las funciones que abarca, no obstante se puede delegar alguna de ellas en otro artista cuando así conviene.   
Director General: Es la persona que toma las últimas decisiones sobre todos los temas relacionados con la obra.  Es quien define los conceptos a transmitir y de qué manera serán transmitidos al público.  Tiene la responsabilidad del arte de toda la obra.
Director Musical: Es el que se ocupa de tomar las decisiones finales sobre los aspectos musicales de la obra.
Puestista en Escena: Es quien coreografía los movimientos de los actores en el espacio escénico de manera tal que se mantenga una estética y una limpieza de movimientos que facilite la comunicación del mensaje.
Director de Actores: Es quien ayuda a los actores a lograr los estados que por guión deben alcanzar y quien también los orienta en los detalles de la creación de los personajes.  En las puestas multitudinarias, generalmente es el que da las indicaciones para lograr que El Pueblo / El Coro, logre características diversas y que la actuación de estos actores no se salga del rango que se pretende mostrar.  Puede llamarse Entrenador de Actores, cuando la composición incorpora un trabajo físico acentuado.

Asistente de Dirección: Muchas veces se piensa que este individuo da indicaciones de Dirección a los Actores en ausencia del Director, sin embargo esa es una función del Director. Esto no impide que opine y aconseje.  Pero no indica que lo que diga en ausencia del Director vaya a tener continuidad si este no lo ratifica.  Su función es llevar la agenda planteada por el  Director: El orden de las escenas o ejercicios que se llevarán adelante en cada oportunidad de ensayo.   Asegurarse que los actores estarán presentes en el lugar del ensayo, o para la función, que sepan la letra, para lo que realizará los controles de letra con los actores, ejercicios de relajación o calentamiento, pasadas técnicas, previas al ensayo o la función.  Monitoreará que se encuentren los elementos necesarios para el ensayo o la función, tomará nota de las acotaciones del Director a los Actores.  Si el Director es Puestista, anotará los movimientos  en escena que quedaron fijados.  En los casos en que no hay Asistente de Producción, también toma este lugar.  Durante la ejecución de la obra, es quien da las órdenes a los distintos Operadores, para que se ejecuten los cambios de luces, escenografía, música, etc de manera que la obra salga coordinada tal como fue pensada. También puede haber más de uno dependiendo de la complejidad de la obra.

Autor: Es quien escribió la obra de teatro.  Antes de comenzar a ensayar una obra, es conveniente cerciorarse que otorgará los derechos para su representación, de lo contrario no será posible el proyecto.  Hay dos tipos de autores, el Autor de Gabinete, que se sienta a su mesa y escribe el libro en soledad o con otros autores, y el Dramaturgo, que trae ideas, fragmentos escritos y otros materiales y los desarrolla a partir de las devoluciones que le realizan los actores, principalmente en las improvisaciones, u otros aportes del equipo de Talento.  El Dramaturgo muchas veces es también quien realiza adaptaciones o actualizaciones de la pieza de otro autor.  Muchas veces la función es desarrollada por el mismo Director.   

Música original, refiere al Músico que compuso las piezas especialmente para esta obra.
Arreglador Musical, es quien realiza los arreglos musicales o la orquestación de la música original.
La Banda Sonora, puede estar grabada o ser ejecutada en vivo, en ese caso también formarán parte del evento los músicos ejecutantes.  En el caso de las grabaciones, hay tantas funciones como se muestran en el diseño de arte de los discos.
Director de Coros, es el encargado de enseñar y dirigir, y tomar decisiones sobre las voces que lo componen.  En tanto que el Entrenador Vocal, además de enseñar las canciones y ejercitar las canciones hasta perfeccionarlas, pueden ayudar a la composición de la voz del personaje.
Sonorizador: Cuando no se usa música original, es indispensable que alguien busque y proponga música grabada para usarla en los momentos musicales de la obra, que finalmente elije el Director.  También se ocupa de los efectos de sonido.
Operador de sonido: será el encargado de ejecutar durante la obra el guión de sonido.  A veces el mismo teatro provee el operador, y no permite el manejo de las consolas a personas ajenas a su personal contratado.  En esos casos, un Asistente de la compañía irá monitoreando a su lado el cumplimiento del guión de sonido.
Plomos: son los encargados del montaje del equipo de sonido.

Coreógrafo: Es el encargado del diseño del movimiento danzado sobre las canciones de la obra.  Cuando los intérpretes no son lo suficientemente capacitados para bailar y el artista debe bajar las expectativas de lo que puede lograr con el grupo en el plazo que tiene, se utilizan nombres como Movimiento, o Asesor en Movimiento, etc.
El Entrenador Corporal, pretende refrescar la calidad del movimiento de los Actores, puede ser para lograr una mejora en las coreografías o en la composición de personajes.  O en el montaje de escenas de violencia, etc.
Cuando una pieza tiene coreografía original, generalmente un clásico o una obra con Marca Registrada, se nombra un Coreógrafo Repositor, quien es el encargado de enseñar y montar la coreografía del autor, que generalmente no participa en la empresa, pero cobra regalías.
No obstante, el Asistente Coreográfico, es quien repasa las coreografías con los intérpretes, realizando una tarea similar a la del Asistente de Dirección, pero en el plano de la coreografía.


Escenógrafo: Es quien diseña el espacio escénico donde se desarrollará la obra, con todo lo que debe incluirse (utilería, decorados, estructuras, efectos, etc).  Muchas veces también se ocupa de todo el diseño visual o diseño de arte, incluyendo la iluminación.
El Utilero, es generalmente un empleado del teatro, encargado del almacén en donde se conservan los objetos y quien provee lo necesario para los ensayos.  En otros casos se lo define como el realizador de la utilería.
Montajistas o Tramoyistas o Maquinistas, son los que arman la escenografía sobre el escenario a la hora de prepararlo para la función y quienes la manipulan durante, para generar los cambios que la obra necesita.  Cuando hay utilero, el encargado de la preparación de los objetos corre por su cuenta.  Los Servidores de Escena, son personas que aparecen sobre el escenario para facilitar los cambios de escenografía, pueden estar vestidos de personajes – mudos – o estar vestidos íntegramente de negro o un color que acompañado por las luces, permita su desaparición a la vista del público tal como en un teatro negro.
Vestuarista: Es quien diseña el aspecto visual de los personajes, incluyendo cascos – se denomina así al conjunto formado por sombreros, apliques, pelucas, peinados, etc que definan el aspecto final de la cabeza – ropaje, zapatería, y todo tipo de accesorios propios del personaje.  En los proyectos pequeños a veces la tarea se suma a la del Escenógrafo.
Maquillador y Efectos Especiales de Maquillaje: Es quien diseña (o enseña a realizarla para cada función) la máscara para el personaje, es decir el maquillaje adecuado para el personaje, y los efectos especiales (heridas, avejentamiento, enfermedad, etc). 
Iluminador: Es quien diseña la puesta de luces, que permitirá realzar espacios, personajes, momentos, crear climas y transformar el entorno.  El actual uso de proyecciones y las escenografías que se construyen solo con luces, recortando el espacio, hace que muchas veces esta función la asuma el mismo Escenógrafo.  El guión de luces, incluye cómo están conectadas las luminarias, que tipo de luminarias se usarán, con cuanta capacidad de iluminación se las debe preparar, hacia a dónde apuntan, en qué ángulo, de qué color será su haz, con cuanta intensidad funcionarán, bajo que modalidad entran y salen, y cuando participan en cada escena.
El Operador de Luces, será el encargado de ejecutar durante la obra el guión de luces, previamente deberá asegurarse que todo se encuentre en orden.  A veces el mismo teatro provee el operador, y no permite el manejo de las consolas a personas ajenas a su personal contratado  – quien realiza esta tarea, por reglamentación debe ser bombero designado, o sea poseer conocimientos suficientes en caso de un siniestro –  En esos casos, un Asistente de la compañía irá monitoreando a su lado el cumplimiento del guión de luces.

La Prensa y Difusión, generalmente es llevada por gente especializada que se contrata para ese efecto, que confeccionan un “Plan para la Difusión”, y ofrece distintos servicios que permitan alcanzar el objetivo.  Originalmente se ocupaban de distribuir gacetillas con la información de la obra, conseguir reportajes gráficos, radiales y televisivos. Las nuevas modalidades de comunicación, traen la necesidad de estar en “la nube”, para lo cual se deberá desarrollar una página Web y mantener presencia en redes sociales para lo que se requiere un Administrador de Redes Sociales y un equipo de gente que venga del Video para la realización de Trailers, Teaser, Proyecciones, etc.

El Diseñador Gráfico se ocupa generalmente de diseñar el programa de mano, afiches, volantes, la cartelera, marquesina, etc.  A veces necesita de la colaboración de un Fotógrafo, quien toma vistas de los actores y/o de los personajes para luego usarlos en la difusión.

Y cada tanto aparecen funciones especiales, como Entrenador Acrobático, un Historiador, o Filósofo o Médico, un especialista en Efectos Especiales, etc.

Finalmente, completando el grupo de Talento, están los Actores, encargados de encarnar a los personajes que cuentan la historia.  La importancia de los personajes se organizan de acuerdo al peso que tienen en el desarrollo de la obra, mientras que los problemas de cartel nacen del desarrollo de las carreras de los actores que los interpretan.  Esto no es un dato menor al momento de definir las participaciones de cada uno, sea en cooperativa o para fijar el precio de un contrato en las producciones.

jueves, 18 de octubre de 2012

Homo Narrator

Narrar es inherente al hombre.

Quizás desde antes de que se inventen las palabras, los idiomas.

Narrar, contar, transmitir, expresar, una idea, una situación, un suceso, una experiencia, era y es parte de la acción cotidiana del hombre desde el inicio de la humanidad, ya que las tribus se juntaban para planear la cacería, distribuirse los roles frente a las actividades de conjunto, orar, trabajar; lo hacían con el cuerpo, la voz, los instrumentos, lo graficaban por medio de dibujos o esculturas.  Es quizás junto a la fabricación de objetos, la primera forma del arte, como una manera de enfrentar el ocio o el descanso, o de darse ánimo, y que junto al fogón acaparaban a sus espectadores.

Desde otro punto de vista, también desde el principio de sus días, el niño le cuenta a sus juguetes, en el mismo instante en que se desarrolla, lo que está sucediendo a cada personaje del juego que el lleva adelante solo, y cuando es en compañía, ese relato es dialogado, a veces armando monólogos superpuestos.  Las familias comparten la mesa con la expectativa de escuchar lo vivido por cada integrante durante el día.  Los amigos se juntan en la esquina, en el café, en el recreo, en la casa de alguno o por teléfono o vía internet, para contarse experiencias, reviviendo tristezas y alegrías.

Todos somos capaces de narrar, de hecho lo hacemos a cada momento. 

Quizás por ser una herramienta de uso frecuente, no nos resulta fácil descubrir la espectacularidad del hecho, ni somos conscientes de la manera en que lo practicamos nosotros.  Seguramente estamos más acostumbrados a realizar una autocrítica de nuestra forma de escribir un relato.  Pero el relato escrito, no es el relato oral.

¿Qué narramos cuando narramos?

En general anécdotas, chismes, hechos, vivencias… cuentos.

Existen casi infinitas definiciones de “cuento”, trataremos de abarcarlas en otra oportunidad.  Por ahora queda en ustedes encontrar la definición que mejor les convenga.

Lo cierto es que para transmitir o comunicar una idea nos valemos de descripciones. 

Entonces cuando narramos describimos. 

Las descripciones no son necesariamente completas (no se trata de hacer un inventario de lo que se ve o se siente) cosas quedarán en la elipsis y cosas se nombrarán metonímicamente y abarcan muchas categorías, se describe un lugar, los objetos que lo completan, las sensaciones que todo esto produce, los climas, la época, el momento del día, los olores, los colores de la escena, los personajes que intervienen, sus características, sus deseos, sus imposibilidades, las acciones que realizan, su secuencia, el estado emocional de los personajes, sus cambios, lo que piensan, lo que dicen, cómo lo dicen, etc.  

Esa idea, no solo es una historia, sino también un cúmulo de sensaciones.  El desafío está en que valiéndose principalmente de la palabra, aunque acompañándonos también con el cuerpo y quizás con algunos objetos, y estímulos sonoros, tenemos que transmitir esas sensaciones que finalmente formarán también una historia.

Identificamos cuatro maneras de contar cuentos:
1)      Leer en voz alta el cuento escrito
2)      Narrarlo desde uno mismo o del Personaje del Narrador, en la forma más objetiva.
3)      Narrarlo desde los distintos Personajes incluyendo al Narrador como tal, utilizando todo el espacio, todo el cuerpo, actuándolo, maximizando recursos.
4)      Dramatizarlo.

Partiendo de la base de que el material es adecuado para el auditorio, leerlo no trae mayores inconvenientes, más que los que surgen de la emisión de la voz.

La dramatización, incluye la adaptación del guión, la dirección de actores, y la puesta en escena, de las que tampoco nos ocuparemos en este artículo.

Nos enfocaremos entonces en las formas intermedias.

¿Qué pasa cuando narramos un cuento escrito por otro?

Lo primero que deberíamos revisar es si haremos una adaptación para la oralidad respetando el cuento original (y entonces deberíamos plantearnos los alcances de la tarea) o haremos una versión libre.

Un cuento escrito, siempre necesita una adaptación para la oralidad, y esta traducción ya lo convierte en otra cosa.  Por mucho que quiera respetar al autor, mi adaptación va a estar traicionando alguna arista del cuento original.  Por más que respete la Fabula, existirá un Relato distinto, modificado, del Relato original, seguramente necesite llevar adelante expresiones más cercanas a las descripciones de la acción de los personajes que la minuciosa descripción de objetos y lugares.

Deberíamos tener en cuenta la poética del autor y si este pertenece a alguna escuela en particular, eso implica que deberíamos leer otros cuentos del autor y otros cuentos escritos por autores de la misma escuela, o los que se conocen como más significativos además de las exégesis que los críticos realizan sobre el mismo material.

Otra cosa a tener en cuenta es si el cuento presenta alguna estructura en particular, lo bastante visible, como para que resulte necesaria su traslado a la oralidad para no perder la identidad.  Por ejemplo en “La Gallina Picoreta”, un cuento popular italiano, la estructura de repetición en los diálogos, resulta el eje del relato, si cambiamos eso, no sería "La Gallina Picoreta”.

http://www.rojasba.com.ar/tiempoperdido/Tpweb128/dailan.htm

Las adaptaciones libres, no llevan mayores inconvenientes, más que la buena aplicación de la técnica y un sólido guión propio.  El derecho de autor es un problema para todos los casos.

De todas maneras, existirán tantos relatos, del cuento a narrar, como narradores existan.  Por lo tanto es importante que cuando nos comprometamos a narrar uno, lo hagamos propio.

Primera aproximación.

La primera tendencia cuando intentamos contar el cuento de otro autor, y sobre todo si este es un cuento escrito, es tratar de abarcar, recordar cada uno de los momentos del cuento en el órden en que ahí aparecen.  Yo llamo a esto hacer la “crónica” del relato.  No es algo malo, pero no debe entenderse como “la forma de contar el cuento” aunque si es una posibilidad de hacerlo.

Sería bueno repasar aquí los conceptos de Fabula y Relato (e Intriga), como los entendemos en el taller.  Llamamos FABULA a la anécdota a la que corresponde la Obra – p.e “La Guerra de Troya”, “San Jorge y el Dragón”, “Los Medicis”, “Camila O´Gorman”, “La Difunta Correa”, “Pinocho”, “Caperucita Roja”, etc  – y RELATO al orden en que son revelados al público los episodios o momentos de dicha FABULA en el devenir de la Obra; a la elección del Autor del orden de los sucesos para contar la FABULA.

Esto quiere decir que una misma FABULA puede ser RELATADA de distintas maneras, según lo considere el Autor de la Obra

La INTRIGA es la forma que adopta el RELATO para mantener el interés del público a lo largo de toda la obra. 

La FABULA es la fuente de donde el Poeta extrae los TEMAS de la obra.

La ELIPSIS son los momentos de la FABULA que el Autor decide no contar en el RELATO, pero que se infieren en él.

Construyendo el primer Guión

Habiendo hecho nuestra lectura del Cuento e identificado la Fábula es importante que determinemos que es lo que nos resulta más interesante contar, cuales momentos nos han impactado más, determinar qué es lo que no se puede omitir y así construir nuestro primer borrador.

El guion debería tener un listado de momentos del Relato, cada momento con su título, si es breve mejor, fácil de memorizar, para que a la hora de Narrar, vaya desarrollando cada título como me parezca sin omitir ninguno, y si en algún momento me voy por las ramas sepa como volver al hilo de la narración.

A su vez cada título, debería incluir la imagen principal, o el motivo principal, o las sensaciones que quiero transmitir, o la idea que no puedo omitir cuando despliegue ese título.

Los Recursos del Lenguaje

Nos interesa recalcar que cuando narramos queremos transmitir sensaciones.

Las palabras, las transmiten ya sea por su significado y también por su sonido.  Por eso es importante las elecciones que se hacen de las palabras para contar nuestro cuento.

“Piel – Caricias – Añoranzas – Ausencia”

Las oraciones breves y concisas permiten formarse una idea clara de lo que queremos contar, cuando estas son polisémicas, ayudan a disparar la imaginación del escuchante.

“Y entonces ella, se dio su lugar.   Y entonces ella, cedió su lugar.”

El ritmo, y los cambios de este, presente en las palabras, en las oraciones, y en los párrafos,  termina de conformar la batería de recursos contenidos en el idioma, (por ahora).  En otro u otros artículos nos valdremos de los recursos para la escritura y análisis de los cuentos escritos, que son trasladables a la oralidad.

Los recursos actorales.

Por otro lado, somos actores y estamos entrenados en el conocimiento de la estructura dramática.  Realizar una narración no es más que el monólogo de un personaje, o un monologo con role playing.  A las descripciones de sensaciones a las que nos referíamos más arriba le podemos sumar los momentos de conflicto que viven o amenazan a los personajes y llevarlos al cuerpo viviendo Estados.  Revisar cada momento a narrar repasando los elementos de la estructura dramática nos servirá para profundizar acerca del entorno y las acciones que realizan los personajes y mejorar esas descripciones porque contamos con un conocimiento más profundo de por qué y para qué las realizan (causas y objetivos).

Además contamos con la metodología para la composición de los personajes.

Los recursos de la voz.

Con un guión bien armado, en principio que me satisfaga para trabajar mi Narración, con los personajes compuestos, sumaremos las formas del habla.  Es importante que las formas lleguen cuando ya se han trabajado los contenidos.  Una forma sin contenido es falsa, y suena falsa, y no consigue el efecto que se busca con la utilización del recurso.

El uso de las pausas.  Jugar con las pronunciaciones, usando los sonidos de cada letra, estirar o acortar las vocales y las sílabas.  La buena utilización de los signos gramaticales.  Las inflexiones de la voz, contrastando los tonos y acentuando las intenciones de cada personaje.  El uso de los resonadores en el cuerpo para obtener distintos efectos sonoros, son algunas de las fuentes a explorar para completar la puesta en escena.   

Los invito que a continuación lean  “Primera Aproximación al Material”

jueves, 11 de octubre de 2012

Recomendado - JUANA MOLINA con LALO MIR - Encuentro en el Estudio


Hace unos años, Lalo Mir, en su programa "Encuentro en el Estudio" para el canal Encuentro, realizó el reportaje a Juana Molina que mostramos a continuación.  En una charla amena y alternada con canciones de la artista, que sirven para graficar el producto de lo que están hablando, nos revelan tanto el proceso creativo, como las vicisitudes de ser un artista solista.

La duración del video es de casi 48 minutos, es muy agradable de ver, porque el programa mantiene un buen relato construido en base a un libreto que sabe narrar en imágenes, pero aquellos que no puedan permanecer tanto tiempo frente a la pantalla, quizás puedan escucharlo ya que funciona también como programa radial.  Existe también la posibilidad de buscarlo en la red, - hay subidas del programa dividido en bloques - y verlo en cuotas.  Aunque de todas maneras, les propongo que se busquen algo para tomar y/o comer y se sienten frente a la pantalla a disfrutar del programa.
Juana Molina es muy reconocida por su música en el extranjero - Japón, Europa, EEUU - y clasificada como "de culto", aunque acá todavía no tiene el lugar que se merece.  Es interesante escuchar cual ha sido su derrotero, cuales sus búsquedas, cómo tomó sus decisiones para ser quien es cómo artista.  Cuáles son sus dudas frente a lo que quiere producir negociando entre su identidad como artista y las exigencias del mercado.  Y cómo fueron sus inicios.
En cuanto al proceso productivo de sus canciones, que se realizan por capas, - nos lo muestran muy bien ejemplificado en el programa - si bien se trata de música, también es aplicable a los procesos que realizamos nosotros en teatro
.

https://www.youtube.com/watch?v=1lFiLB80m3I

Discografía:

1996 - Rara
2000 - Segundo
2002 - Tres Cosas
2006 - Son
2008 - Un Día
2013 - Wed21